5 столовых с восхитительными и разнообразными картинами

10 самых известных картин, на которых изображена еда

Селедка, банка с супом, синяя женщина: известные художники любили не только есть, но и рисовать еду. Рассказываем о 10 самых известных картинах, которые могут вызвать аппетит или наоборот.

Энди Уорхол. «Банка с супом «Кэмпбелл», 1962 г.

Энди Уорхол – американский художник, дизайнер, скульптор, режиссер, писатель и автор работ, которые ярко иллюстрируют понятие коммерческий поп-арт. Благодаря ему искусство стало доступно широким массам: люди начали видеть красоту в простых вещах. Художник пытался раскрыть поверхностную суть предметов и дать понять, что любой из них прекрасен, даже если это обычная консервная банка. Картина «Банка супа «Кэмпбелл», созданная в 1962 году, – его самая известная работа. Вскоре Уорхол создал целую серию подобных холстов. При жизни художник продавал «супы» по 100 баксов, а уже после его смерти одна из этих картин была оценена в 24 миллиона долларов.

Кстати, супы «Кэмпбелл» Уорхолл действительно очень любил и ел их прямо из банки.

2. Зинаида Серебрякова. «За завтраком», 1914 г.

Зинаида Серебрякова – одна из первых женщин в истории русской живописи. Уже к 25 годам она стала всемирно известна благодаря автопортрету «За туалетом». Но самое обаятельное произведение Серебряковой – картина «За завтраком», которая является образцом семейного и детского портрета: художница любила писать детей с материнской заботой и бесконечной нежностью.

Многие удивляются, почему на картине подают обед, ведь, судя по названию, речь идет о завтраке. Оказывается, в доме Серебряковых был принят европейский режим питания — утром подавали маленький завтрак, а в полдень — более плотный.

3. Кузьма Петров-Водкин. «Селедка», 1918 г.

Натюрморты Петрова-Водкина – документальная летопись эпохи. Их уникальность заключается в минимальном наборе предметов на столе, в игре с зеркальными поверхностями и ярких красках. На картине «Селедка» изображен скромный обед 1918 года — две картофелины, кусок хлеба и селедка на столе. Искусствоведы полагают, что красная скатерть символизирует «революционные будни».

В натюрмортах художник часто использовал зеркальные предметы – стаканы, самовар, чайник или просто зеркала. Его работы светлые и радостные, в них видно непосредственное восприятие мира и натуры художником. Среди известных работ с изображением еды также «Розовый натюрморт. Ветка яблони», «Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией», «За самоваром», «Фрукты».

4. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем», 1918 г.

С самого детства Борис был знаком с бытом купцов: его семья арендовала флигель в купеческом доме в Астрахани. С приходом большевиков закончились и годы счастливой юности, а дородные купчихи теперь жили только в памяти художника: «Живем мы здесь неважно, холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе… Я сижу дома и, конечно, работаю и работаю, вот и все наши новости».

«Купчиху за чаем» Кустодиев написал уже в 40-летнем возрасте. Изображенная на картине дама — его соседка по дому в Астрахани Галина Владимировна Адеркас, которая была настоящей баронессой из древнего рода.

5. Павел Федотов. «Завтрак аристократа», 1849-1850 гг.

Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.

6. Казимир Малевич. «Натюрморт», 1911 г.

Известный русский импрессионист до написания картины «Черный квадрат» долго искал себя и свой стиль. Он считал, что нужно нести искусство в жизнь, а не наоборот, и тогда жизнь станет поистине прекрасной. В исканиях он обращался к импрессионизму и кубизму: он любил яркие цвета, сильные и резкие эмоции. «Натюрморт» – как раз работа периода исканий. Художник выполнил его в технике «клуазоне»: французский стиль росписи, в котором большие пятна цвета замыкаются черными жирными линиями.

7. Илья Машков. «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910 г.

Художника называют «королем натюрмортов», а искусствоведы считают его родоначальником русской колористической традиции. Действительно, любимым жанром Машкова был натюрморт: на холстах можно встретить яркие тыквы, сочные лимоны, апельсины, нежные персики, сочный разрезанный ананас и многое другое.

«Натюрморт. Фрукты на блюде» стал началом его работы в этом жанре. Кстати, в свое время художники Анри Матисс и Валентин Серов рекомендовали эту картину меценату Морозову. Для Машкова это было настоящее признание.

8. Пабло Пикассо. «Любительница абсента», 1901 г.

Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.

Картина «Любительница абсента» – портрет души Пикассо. Художник постоянно преодолевал различные испытания: нищету, отсутствие заказов, смерть близкого друга. Именно поэтому тема одиночества и опустошенности отражена во многих его картинах. На время написания «Любительницы абсента» у художника даже не было денег на холст. Для этого Пикассо взял старую работу, закрасил ее и воспользовался обратной стороной. Цвета получились приглушенными, а героиня – зажатой и усмиренной тоской. Она настолько погружена в себя, что безразлична к происходящему. Абсент на столе – это портал в мир забвения, где нет тревог, болезней и страхов.

9. Клод Моне. «Завтрак на траве», 1866 г.

Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.

Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.

Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.

10. Поль Сезанн. «Натюрморт с бутылкой мятного ликера», 1895 г.

В своих натюрмортах Сезанн часто использовал яблоки, груши, луковицы, бутылки с вином, глиняные кувшины, чашки, корзины, разноцветные драпировки в холодных тонах. А еще французский живописец очень любил рисовать разные бутылки, и его предметы постоянно переходили из одной картины в другую.

Картина Хруцкого Цветы и плоды сочинение

Сочинения по картине Ивана Хруцкого «Цветы и плоды» для 3 и 5 классов.

Картину «Цветы и плоды» в 1836 году написал белорусский и русский художник Иван Трофимович Хруцкий (1810-1885). Наиболее известен, как автор групповых портретов и натюрмортов, с одним из которых мы познакомимся здесь. Картина «Цветы и плоды» считается одним из самых известных произведений Ивана Хруцкого, по которой и сегодня, спустя много десятилетий после её написания, пишут сочинения и рассказы в школе.

Цветы и плоды Хруцкого план сочинения:

  • Автор
  • Описание картины
  • а) цветы
  • б) плоды
  • в) предметы
  • Мои впечатления

Цветы и плоды Хруцкий сочинение 3 класс

Автором картины является художник Иван Трофимович Хруцкий. Художник стал известен своими портретами и натюрмортами. Одной из самых прославленных его картин в жанре натюрморт стала «Цветы и плоды».

Картина имеет осеннее настроение. Именно к этому времени зацветают цветы и поспевают фрукты, овощи, ягоды. В этой картине Хруцкий продемонстрировал всю красоту и щедрость осени, которая радует нас как великолепными цветами, так и вкусными плодами, которые мы собираем в садах и на огородах. Совместив всё это в одной картине, автор работы добился потрясающего вида, от которого невозможно оторвать взгляда.

В первую очередь привлекает внимание букет цветов, который находится в вазе с красивым рельефом прямо посередине картины. Здесь мы можем увидеть красные, розовые, жёлтые, синие цветы. Несмотря на то, что они имеют разную форму и размеры, Иван Хруцкий подобрал их так грамотно, что смотрится букет очень гармонично.

Цветы — не единственное достоинство картины. Многообразие плодов делает картину не только красивой, но и вкусной. Здесь мы можем увидеть гроздь винограда, ящик с персиками, лимоны, груши и тыкву. Тыква в этом натюрморте является самой объёмной. Она привлекает внимание, так как несколько отличается от общей лёгкости, воздушной красоты цветов и небольшого размера фруктов и ягод. Также на заднем плане мы можем увидеть спелые колосья, которые напоминают нам о плодородной осени.

Помимо цветов и плодов, картина украшена красивыми предметами. Бросается в глаза рельефная ваза, в которой находится букет цветов. На её поверхности можно рассмотреть стаю волков и деревья. Такой рельеф вписывается в общую задумку природного разнообразия, представленного на картине. Слева от кувшина деревянный ящик с персиками и плетёная корзина с виноградом. Несмотря на то, что сделаны они руками человека, природные материалы дополняют общий вид продуктов растительного мира. Справа от кувшина с цветами находится стакан воды с долькой лимона внутри. За тыквой — стеклянный прозрачный графин с водой.

Картина выглядит очень живой, красивой и разнообразной на элементы. Многообразие расцветок заставляет восхититься неповторимой красотой природы. Особенно мне понравилось, как Иван Хруцкий гармонично совместил на своей картине природные цветы, плоды и изделия рук человека, которые выглядят не менее красиво и утончённо.

Катина «Цветы и плоды» написана рукой известного русского художника, который имеет белорусское происхождение, Иваном Трофимовичем Хруцким (1810-1885). И. Т. Хруцкий являлся академиком Императорской Академии художеств. За свою жизнь написал немало замечательных картин. Одной из самых известных является и картина «Цветы и плоды».

На картине мы можем увидеть красивейший осенний натюрморт. Композиция из цветов, ягод, фруктов, овощей и предметов, сделанных руками человека, выглядит настолько красиво, что дарит истинный восторг зрителю.

Поражает своим разнообразием букет садовых и полевых цветов в красивой вазе. Здесь удивительным образом сочетаются красные, синие, жёлтые, розовые, белые цвета и оттенки. В вазе можно заметить пионы, ирисы, васильки и даже колосья полевых культур.

Разнообразные плоды на картине будто распространяют вокруг себя сладкий аромат. Они лучше всего демонстрируют осеннее настроение, когда собирается урожай с полей, садов и огородов.

Слева мы можем увидеть деревянный ящик с персиками. Один из персиков разрезан на две половины, тем самым показывая, насколько он вкусный и сладкий. Позади ящика с персиками в плетёной корзине грозди винограда, которые к этому времени уже поспели и готовы к употреблению. Можно увидеть, что небольшая гроздь из четырёх виноградин находится справа от вазы и вот-вот сорвётся вниз. Такое расположение ягод делает картину более живой и динамичной. Здесь же находятся спелые груши и лимон. Лимон также разрезан, но, в отличие от разрезанного персика, придаёт картине остроты и кислинки.

Позади фруктов можно увидеть объёмную тыкву, которая является практически самым крупным и привлекающим внимание элементом на картине.

Не менее привлекательными, чем благоухающие цветы и вкусные плоды, здесь являются предметы, сделанные руками человека. Ваза с изображением стаи волков в лесу, плетёная корзинка, деревянный аккуратный ящик, стакан с водой, прозрачный графин. Здесь природное и человеческое соединилось в красивой гармонии.

Картина произвела на меня действительно приятное ощущение. Художник своей работой показал неповторимую красоту природы.

Цветы и плоды Хруцкий сочинение 5 класс

Картину «Цветы и плоды» написал в 1836 году Иван Трофимович Хруцкий (Ян Фомич Хруцкий). Русский живописец белорусского происхождения стал признанным художником, академиком Императорской Академии художеств. Художник XIX века написал немало замечательных картин в жанре групповой портрет и натюрморт. Одной из самых известных является как раз та, которую мы рассматриваем здесь.

Картина «Цветы и плоды» представляет собой не столько красоту цветов, свежесть фруктов, сколько идеальное сочетание цветов и форм. С первого взгляда может показаться, что картина замечательна тем, что художник в красивом порядке расставил цветы и разложил плоды на столе, однако затем начинаешь понимать, что это колоссальная работа с подбором цветов и оттенков, а также различных форм. В итоге художник получил идеальную гармонию, причём не только природных, но также и человеческих предметов.

В первую очередь, конечно же, внимание привлекает роскошный букет цветов, который находится в центре картины и является главным её акцентом. Цветы самых разных расцветок и форм. Здесь есть пионы, ирисы, а также другие садовые и полевые цветы. Помимо цветов, в букете присутствует зелень, листва и трава, а на заднем плане композицию завершают колосья полевых культур.

Ягоды, фрукты и овощи придают картине особый вкус. Здесь можно увидеть персики, виноград, груши, лимон и большую тыкву. Спелость фруктов художник подчеркнул тем, что поместил на картине два разрезанных фрукта — сладкий персик и кислый лимон. От такого вкусного и ароматного вида просыпается аппетит. Кажется, что стакан воды с долькой лимона художник поместил здесь будто специально. Он словно говорит зрителю — попробуй эти фрукты, запей водой с приятной кислинкой.

На коричневом фоне многообразие расцветок выглядит впечатляюще, будто вся красота осени собрана в одном месте.

Гармонию в природное многообразие привносят и предметы человека. Художник очень тщательно подбирал их вид и фактуру, чтобы они идеально вписались в натюрморт, богатый на детали. На поверхности кувшина с букетом можно увидеть объёмное изображение — стая волков в лесу. Интересно, что слева художник поместил плетёную корзину и деревянный ящик, которые вписываются в природную концепцию натюрморта, а вот в правой части автор поместил стеклянные предметы — стакан с водой и графин.

Картина выглядит по-настоящему восхитительно. Поражает та работа, которую провёл художник над этим натюрмортом, чтобы получить настолько мастерски подобранный колор и сочетание форм.

Благодаря тщательной проработке, натюрморт выглядит очень реалистично. Картина «Цветы и плоды» вызвала у меня тёплые ощущения. Глядя на неё, можно понять, насколько красивым и сложным может быть жар живописи натюрморт.

Пышный букет с многообразием спелых плодов написал известный русский художник белорусского происхождения Иван Трофимович Хруцкий. Академик Императорской Академии художеств, знаменитый портретист и мастер натюрмортов прославился благодаря своему искусству создавать совершенно невероятные и сказочные по красоте полотна.

Картина «Цветы и плоды» представляет собой натюрморт на коричневом фоне. На сером столе стоит ваза с цветами, вокруг в определённом порядке разложены плоды — ягоды, фрукты и овощи. Иван Хруцкий очень внимательно подошёл к тому, чтобы грамотно подобрать все цвета и формы, и в итоге получить такой натюрморт, который имеет невероятную природную гармонию. Этой картиной художник показал своё мастерство, и даже сложность создания натюрмортов, как одного из самых интересных жанров в живописи.

В центре картины мы можем увидеть красивую вазу, в которой стоит роскошный букет из садовых и полевых цветов, а также зелени, трав, колосьев полевых культур. Пионы, васильки, ирисы и другие цветы выглядят, словно красивый фейерверк, настолько букет разнообразный на расцветки, яркий, вызывающий искренний восторг.

Аромат и вкус картине придают многочисленные плоды. Судя по тому, что на столе собран богатый урожай, картина была написана в конце лета или осенью. От такого вида просыпается настоящий аппетит, так как здесь представлены персики, виноград, груши, лимон и тыква.

Особое внимание стоит обратить на разрезанный персик, который демонстрирует свою спелость и сладость. В правой части картины можно увидеть разрезанный лимон, но, в отличие от сладости персика, он скорее придаёт картине остроты и свежести. Большая тыква словно уравновешивает многообразие мелких плодов. Без такого крупного элемента на картине, она могла бы показаться слишком раздробленной и чрезмерно пёстрой, тогда как тыква перетягивает на себя внимание большими и несколько грубоватыми формами.

Букет и плоды находятся на столе. Прямо посередине стола можно увидеть трещину. Таким образом художник подчеркнул его грубость и несовершенство перед уточнёнными, воздушными и совершенными формами природы. Кувшин с цветами имеет красивый рельеф. Здесь изображены волки в лесу. Слева плетёная корзина и ящик, которые идеально сочетаются с собранным урожаем плодов. Справа стоит стакан с водой и лимоном, который дарит нотку свежести картине. Позади тыквы находится красивый стеклянный кувшин с водой, который является гармоничной парой для кувшина посередине.

Картина Хруцкого «Цветы и плоды» вызвала у меня ощущение удивительной красоты природы. Благоухающие ароматами цветы, вкусные и сладкие плоды, которые собираются осенью в садах и на огородах. Всё это вызывает ощущение радости и счастья, теплоты и добра. Уходящее лето оставило нам свои богатые дары.

Файв-о-клок, или Кое-что об английском фарфоре. Часть 4 — etc

Сегодня мы продолжаем нашу традицию — следовать настоящим английским традициям!

На четвёртом по счёту чаепитии в «Старом Лондоне» мы снова соберёмся за чайным столиком самой что ни на есть приятной компанией и будем «разговаривать интересные разговоры».

Итак, добро пожаловать на чаепитие в один из милых домиков, расположенных в живописной английской глубинке. Наконец-то часы пробили долгожданные пять часов пополудни и гости чинно расселись за чайным столиком, заблаговременно сервированном радушными хозяевами. На столе красуется фарфоровый сервиз, специально предназначенный для таких случаев (сегодня это один из четырёх — Royal Doulton, Churchill, Spode или Royal Worcester), а традиционное пятичасовое угощение разложено по специальным блюдечкам, вазочкам и тарелочкам. Упс, вот с этого места давайте поподробнее! Дело в том, что в Англии различают три вида пятичасового чая, к каждому из которых подается свое угощение:

  1. Cream Tea, или чай со сливками (молоком). Его обычно пьют с булочками и джемом.
  2. Light Tea, или легкий чай. К этому напитку подают булочки с конфетами.
  3. Full Tea, или полный чай. Этот чай предполагает более «плотное» угощение: сэндвичи, десерт, булочки и конфеты.

Так что если вы увидели на столе сливочник или молочник, не надейтесь на конфеты или, тем более, сэндвичи. А если на столе лежат сэндвичи, не вздумайте просить сливки к чаю — моветон! И не удивляйтесь, что все закуски, поданные к пятичасовому чаю, очень маленького размера, это не от жадности и не от страха, что вы наберёте лишний вес. Всё гораздо прозаичнее — дабы во время трапезы не прибегать к использованию столовых приборов.

Идём дальше. На отдельной тарелочке подается лимон, причем его дольки ни в коем случае не присыпаются сахаром. Сахар могут подать на стол как в виде сахарного песка, так и рафинада. Только не берите рафинад руками — для этого существуют специальные щипцы, тоже, кстати, великолепные. Теперь начинается самое сложное:

  • Если вы пьёте чай с лимоном, то его кладут в чай ДО добавления сахара.
    — Делай раз — положите дольку лимона в чашку.
    — Делай два — держите кружку левой рукой, а правой, вооружив её предварительно ложечкой, «жамкайте» лимон, выдавливая из него сок.
    — Делай три — изымите истерзанный лимон из чашки и положите его на блюдце.
    Вам повезло, если вы пьёте чай без сахара — можете приступать!
  • Ах, вы всё-таки любитель сладкого и хотите добавить в чай сахарный песок! Тогда учтите, что достают его из сахарницы только общей ложкой! Элегантно высыпьте добытый сахар в свою чашку, но не вздумайте обмакнуть общую ложку в чай, попользовались — верните на место! Размешайте сахар своей собственной чайной ложечкой, но не оставляйте её после этого в чашке, ибо ничто не должно отвлекать вас от вкушения божественного напитка. Чтобы ложка не мешала вам, отложите её в сторону, на отдельный, специально приготовленный для этого действия поднос.
  • Ну а если сегодня вы решили попробовать чай с молоком, то сначала налейте в чашку молоко и только потом чай. Англичане уверены, что напиток при этой последовательности приобретает особый, ни с чем не сравнимый, вкус. И не забудьте, что молоко не принято сочетать ни с лимоном, ни с бергамотом.

«Мда, как бы мне не запутыркаться во всей этой чайной церемонии» — сказала бы знаменитая Алиса, выслушав этакое затейливое руководство к действию. По-моему, английское чаепитие больше похоже не на привычное для нашего брата «пойдём-ка расслабимся, погоняем чаи», а на выверенный до последнего движения ритуал или танец, причём с весьма замысловатым рисунком!

Но вернёмся к любимому нами фарфору.

Royal Worcester

ROYAL WORCESTER — известнейший бренд костяного английского фарфора. Кто бы мог подумать, что его отцы основатели вовсе не гончары или химики. Два представителя смежных профессий — известный лондонский врач Джон Уолл и аптекарь Уильям Дэвис, тоже весьма почитаемый в Лондоне господин, не только изобрели свой собственный способ производства фарфора, но и убедили группу бизнесменов вложить деньги в производство.

Успех пришел быстро, как только фабрика ROYAL WORCESTER обрела покровительство и получила большой заказ от короля Англии Георга III. После этого признания и триумфа вся «королевская рать» встала в очередь за модной посудой. Даже знаменитый адмирал лорд Нельсон, по просьбе своей возлюбленной — леди Гамильтон, решил обновить содержимое своих сервантов и посудных горок и заказал восхитительные сервизы у ROYAL WORCESTER. К сожалению, лорду Нельсону так и не пришлось отобедать на приобретённой им посуде. А вот Эмма Гамильтон много лет вспоминала о горячо любимом адмирале и их счастливой любви, любуясь великолепными фарфоровыми сервизами.

В 1860 году принц Альберт заказал на ROYAL WORCESTER десертный сервиз для своей дражайшей супруги королевы Виктории, знавшей толк в дорогом фарфоре. Она не была разочарована, посуда превзошла все ожидания!

Надо сказать, что члены королевской семьи всегда знали, где можно приобрести роскошные изысканные подарки для своих друзей и сородичей. Во дворцовом хозяйстве посуды много не бывает, а когда эта посуда ещё и произведение искусства, радующее душу, вдвойне приятно. Вкусим же пищу земную вместе с небесной! И владельцы фарфоровых мануфактур никогда не забывали об этом, привлекая известных художников и дизайнеров к сотворчеству. Так ROYAL WORCESTER в своё время пригласила известного дизайнера Рональда Ван Рюквеля изготовить сногсшибательный сервиз в подарок ныне здравствующей королеве Елизавете II и герцогу Эдинбургскому на юбилей в честь их серебряной свадьбы .

ROYAL WORCESTER вообще любит творить совместно с ведущими британскими дизайнерами. Плодотворным оказался и союз фабрики со всемирно известной маркой Clive Christian, работающей в области классического английского интерьера. Великолепное дитя этого союза — сервиз «Пламя Империи» («Empire Flame»), который называют самым совершенным фарфоровым сервизом Британии. Вот он, на фото ниже — великолепие ампира с имперской орнаментикой, лавровыми венками и медальонами. Изысканный шик!


Ручная роспись ROYAL WORCESTER всегда неповторима и ассоциируется с истинно английским стилем. Марку считают олицетворением английской фарфоровой классики, хотя на заре своей деятельности в произведениях, выходящих из под «пера» художников этой мануфактуры, наблюдалось явное влияние сервского фарфора. Продукция ROYAL WORCESTER всегда самого высшего качества и изящного аристократического дизайна в особом стиле «ювелирного декора».

Royal Doulton

Английская мануфактура ROYAL DOULTON ведет свою историю с 1815 года, когда мелкий предприниматель Джон Далтон рискнул и вложил все имеющиеся у него средства в небольшую гончарную мастерскую, которая производила вовсе не посуду, а керамические подсвечники для оснащения фабрик. С приходом нового владельца мануфактура расширилась, стала процветать и вскоре превратилась в первый в мире завод по производству керамических труб и сантехники. Так бы и остался ROYAL DOULTON известен, как сантехнический брэнд, если бы не один из сыновей Далтона — Генри. В 1871 году он открыл при фабрике художественную студию и уговорил отца купить керамическую фабрику в Стаффордшире, что тот и сделал в 1877 году.

В поисках нового слова в керамике, художники и проектировщики под руководством Генри Далтона смело экспериментировали с разнообразными материалами, добиваясь исключительного качества глазури и добились выдающихся успехов — за вклад в развитие новых технологий производства керамики и керамического искусства Генри Далтон первым среди профессионалов керамического дела был посвящен в рыцари королевой Викторией. Дальше — больше, и в 1901 году компания получает от короля Эдварда VII королевский патент и право именоваться ROYAL DOULTON, поставщик двора Его Величества. Новое имя — новый образ и ROYAL DOULTON начинает маркировать свою посуду лейблом с изображением британского льва. С этого момента изображение царя зверей стало классическим фирменным знаком ROYAL DOULTON, символом качественного фарфора, достойного королевских особ.

В 1972 году ROYAL DOULTON сделал выгодное приобретение — присоединил к себе старейшего английского производителя фарфора — компанию Royal Albert (о ней я рассказывала в предыдущих публикациях). И сегодня эта марка с богатейшим историческим наследием является гордостью ROYAL DOULTON. Изящный тонкий декор, геометрические изыски, необыкновенные визуальные эффекты — мерцание и блеск драгоценных камней, роскошные оттенки, преломление цвета, филигранная проработка деталей — таков фирменный стиль ROYAL DOULTON.

Churchill

В далеком 1795 году в небольшом провинциальном городке Лонгтон, что в графстве Стаффордшир, семья Бриджвуд организовала небольшое семейное предприятие — гончарную мастерскую. Они решили сделать ставку на качество. И у них это получилось — прочную и элегантную посуду оценили не только в графстве, но и далеко за его пределами. Вскоре Бриджвуды расширили мастерскую и она превратилась в небольшую фабрику, которую назвали Churchill (Черчилль).

На фабрике использовали способ производства, известный как британский обжиг фарфора. При таком обжиге посуду ставят в печь на специальный треножник-подставку. Именно этот треножник и оставляет на поверхности готовой посуды те самые, едва заметные, отпечатки, которые стали своеобразной «печатью мастера». Следы от треножника затем тщательно шлифуют и глазируют, однако полностью этот фирменный след намеренно не удаляют.

Ещё одна особенность бренда Черчилль — любовь к коллекциям. Каждая коллекция посвящена определенной теме и может разительно отличаться одна от другой — продукция для детей очень красочна и её форма разрабатывается специально для малышей. А изящные и стильные наборы из серии Джейми Оливера выполнены в строгом соответствии с классическими канонами. Самая известная коллекция марки Черчилль — Blue Willow (Голубая Ива), она до сих пор очень популярна в Британии. Её выпуск начался в 1818 году и с того времени дизайн не претерпел абсолютно никаких изменений. Вот она, знаменитая Голубая Ива — традиционный бело-голубой цвет стиля «фолк».

Продукция компании — это элитная посуда для гурманов всего мира, завоевавшая международное признание. Элегантные наборы от Churchill регулярно заказывают рестораны класса люкс и фешенебельные отели. Любое изделие «Черчилль» — это эффектное украшение повседневного или праздничного стола!

Spode

Компания SРODE была создана в 1770 году Джозайа Споудом. Начинал он свой профессиональный путь учеником гончара, и со временем поднялся к самым высотам, став основателем и владельцем одного из самых преуспевающих предприятий Англии. Во-первых, Споуд прославился тем, что создал английскую формулу костяного фарфора. (Сначала меня это удивило — как, и он тоже!? Но потом я поняла — судя по всему все английские производители фарфора когда-нибудь да изобрели свою собственную формулу костяного фарфора!) Его фирменный костяной фарфор отличался от традиционного китайского и японского и был белым и прозрачным. Фирменное украшение фарфора от SPODE — тонкий серый принт на белой глазури, на долгое время ставший фишкой SРODE.


Во-вторых, Споуд существенно усовершенствовал метод синей подглазированной печати, в результате чего ему удалось добиться изумительных оттенков синего. Именитый английский Мастер обожал синий цвет и, вскоре, он представил на суд публики великолепную серию Blue Italian. Эта шикарная коллекция с тех пор справедливо считается визитной карточкой мануфактуры SРODE и до сих пор является одним из лучших образцов художественного фарфора.

Хотя фарфор SРODE и не был титулован громким именем Royal, это не значит, что он не был замечен и отмечен вниманием королевских особ. С 1806 года и по настоящее время фабрика является поставщиком фарфора королевского двора и именно этот фарфор является любимцем принца Уэльского. Всем королевским фарфорам он предпочитает шикарный SРODE! Мастера Spode приложили руку и к изготовлению сервизов для российского императора Николая II, и Королевского Павильона в Брайтоне, и Национальной Библиотеки в Париже.

Репертуар SРODE поразительно разнообразен: изысканная графика с великолепной цветопередачей, обилием золота и изображениями цветов; бело-синие и зеленые коллекции, украшенные пасторальными картинами, пейзажами, видами и тщательно прорисованными великолепными орнаментами; витиеватая цветочная и орнаментальная кайма, обрамляющая изящные картинки с птицами и животными.


Ну вот наше путешествие и подошло к концу. Мы с вами полюбовались великолепием форм и изумительной росписью посуды самых известных английских брендов. Надеюсь, каждый нашёл что-нибудь себе по душе! Не правда ли, роскошный английский фарфор — лучший подарок не только для королевских особ, но и для нас с вами!

Добро пожаловать в Старый Лондон за подарками для себя и своих близких!

Иллюстрации — Kate Greenaway, английская художница, иллюстратор детских книг.
OldLondon, copyright

Life Style

Еда как искусство, или Удивительные картины из мира еды

15 января 2017, 18:00 | Зоя Бабаева

«Если бы мы не сковывали полет собственной фантазии – человечество стало бы гораздо счастливее…»

Мне приходилось видеть немало красивых, ярких, поражающих своей неповторимостью картин великих художников, работы которых можно назвать – на века. Но вот с искусством фуд-арта, а точнее с картинами, которыми можно полюбоваться, а затем благополучно съесть, познакомилась буквально недавно. Конечно же, знакомство это было виртуальным, но очень интересным. Ведь никто из нас не будет против вкусно и красиво накрытого стола, а экологически чистые продукты, являющиеся важной частью таких аппетитных застолий, всегда порадуют любого гурмана. Ведь еда – это одна из важнейших составляющих нашей жизни, все мы привыкли к повседневной кухне, многие из нас отдают предпочтение национальным блюдам, а любителей чего-то необычного привлекают самые диковинные продукты, которые многие из нас и не пробовали. Но главное, что объединяет людей в их стремлении вкусно и аппетитно поесть – это натуральность и экологическая чистота того, чем мы питаемся.

Мифов и историй о каждом продукте множество. Например, соль всегда считалась символом чистоты, отгоняющей злых духов, многие японцы освещают машины солью, на удачу почти у каждого с собой мешочек с солью. Хлеб являлся в библейские времена необходимым продуктом для жертвоприношения, с ним проводились особые обряды, ритуалы, когда в буханку хлеба переносились все совершенные человеком грехи. А если верить древним легендам, то капуста – это результат вражды человека и Бога. Разгневанный недостойным поведением фракийского царя, Бог Дионис уничтожил божественные виноградники. Прикованный к виноградной лозе царь, оплакивал потерянную свободу такими крупными слезами, что, падая на землю, они превращались в капусту. Капусту и виноград считают прямыми врагами алкоголизма. Но это только небольшая часть легенд и мифов о еде.

А я хочу рассказать вам об искусстве фуд-арта, а английский фотограф Карл Уорнер в рамках фуд-арта стал родоначальником собственного фуд-направления, как фудскейп. Свои работы он сам назвал «съедобными пейзажами». Основной идеей этого необычного искусства является пропаганда здорового питания. Дети, да и мы, взрослые, любим вкусненькое, но приготовленное с минимальными затратами времени, это может быть суп из пакетов, готовые пельмени, чипсы, пакетные приправы-соусы. Все это имеет довольно-таки съедобный, привлекательный вид, в отличие от некоторых еще готовящихся к приготовлению овощей, фруктов, морепродуктов и даже свежего мяса. Но работы Карла Уорнера ломают все стереотипы, даже врачи используют его картины, как наглядное пособие для детей и взрослых, когда речь заходит о том, чем полезнее питаться. И это дает видимые результаты. Да, честно говоря, после просмотра таких картин и петрушка, и укроп, и сельдерей, и натуральная ветчина мне кажутся намного вкуснее и аппетитнее. А это значит, что работы художника не только эстетичны, удивительны, восхищают своей необычностью, но и полезны для здоровья человека.

Отборные овощи, фрукты, мясные деликатесы в умелых руках мастера превращаются в красивые картины, чем-то напоминающие иллюстрации к еще не сочиненным сказкам. Но интерес к таким картинам не становится меньше, а скорее наоборот, картины художника востребованы, многочисленные выставки не перестают удивлять поклонников оригинального своей индивидуальностью и, казалось бы, простотой исполнения. Единственным недостатком этих картин является то, что они быстро портятся.

Карл Уорнер – художник с большим стажем работы в области фотографии, более 25 лет, из них 10 лет посвятил фудскейпу, работе, требующей немало терпения и таланта. Его невероятно натуральные леса из цветной капусты, фермерские, морские пейзажи не останутся незамеченными, потому что в них столько очарования, непосредственности, естественности.

Прежде чем приступить к работе, фотограф рисует в своем воображении конечный результат, а лишь потом составляются эскизы, подбираются продукты для создания картин. Но главное, все необходимо правильно и разумно расположить. Здесь работой не обделены и фуд-стилисты, которые ретушируют картину и придают ей аппетитный вид, ну а дальше, как говорится, дело техники. А награда не заставляет себя долго ждать, если зритель увидел в картине не искусственный, а натуральный «съедобный пейзаж» – для художника это большая заслуга и желание продолжать свое полное фантазий творчество. Работы мастера – это на первый взгляд неживая по сути тематика, но его профессионализм наделяет картины удивительными тонкостями, которые делают их более притягательными и реалистичными для зрителя. Каждую картину после завершения работ мастер описывает, стараясь не пропустить ни единого момента, и делает все, что на ней расположено неповторимым и значимым.

Я предлагаю вам посмотреть несколько картин мастера. Продукты, из которых они созданы, узнаваемы, восхищают своей оригинальностью и исключительной аппетитностью.

А румынский архитектор Иоанна Ванк подняла искусство фуд-арта до уровня столовой ложки, в которых она создает небольшие скульптуры из экологически чистых продуктов, которыми можно не только любоваться, но и с большим аппетитом съесть.

Простая домохозяйка из Малайзии, мать двоих детей, Саманта Ли превращает самую обычную работу по приготовлению пищи в настоящее искусство. Она готовит для своих детей пищу-сказку, как настоящая фея-волшебница. Саманта простая женщина, не имеющая никакого специального образования, но ее работы невероятно успешны и востребованы, пользуются огромной популярностью как у маленьких, так и взрослых любителей вкусно поесть. Саманта, создавая свои творения на обычной тарелке, использует только экологически чистые продукты, радуя своих детей образами героев из мультфильмов, любимых артистов и даже поп-кумиров и убедительно утверждает, что фуд-арт доступен любой хозяйке, желающей порадовать себя и своих малышей оригинально приготовленной пищей.

Работы художников фуд-композиций очень популярны в настоящее время, они интересны не только любителям уникального творчества, врачам-диетологам, но и журналистам, работникам телевизионного цеха, простым домохозяйкам. Каждая работа этих мастеров – это великий труд, терпение и, конечно же, талант, который помогает воплотить в реальность все то, что может существовать в нашем воображении, увидеть многие продукты в более желанном и соблазнительном виде, а где-то и получить заряд положительной энергии, улыбнуться и восхититься творением рук человеческих.

А нравится ли вам такая пропаганда здорового питания?

20 самых странных картин в мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица. представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Сочинения к варианту №5 ОГЭ-2021

Сочинения 9.1, 9.2, 9.3 к новому сборнику ОГЭ-2021 “Типовые экзаменационные варианты” под редакцией И.П. Цыбулько.

Начало текста

Ещё в раннем детстве доводилось мне любоваться восходом солнца.

Весенним ранним утром, в праздничный день, мать иногда будила меня, на руках подносила к окну:

— Посмотри, как солнце играет!

Ещё в раннем детстве доводилось мне любоваться восходом солнца.

Весенним ранним утром, в праздничный день, мать иногда будила меня, на руках подносила к окну:

— Посмотри, как солнце играет!

За стволами старых лип огромный пылающий шар поднимался над проснувшейся землёю. Казалось, он раздувался, сиял радостным светом, играл, улыбался. Детская душа моя ликовала. На всю жизнь запомнилось мне лицо матери, освещённое лучами восходящего солнца.

В зрелом возрасте много раз наблюдал я восход солнца. Я встречал его в лесу, когда перед рассветом проходит вверху над макушками предутренний ветер, одна за другою гаснут в небе чистые звёзды, чётче и чётче обозначаются на посветлевшем небе чёрные вершины. На траве лежит роса. Множеством блёсток сверкает растянутая в лесу паутина. Чист и прозрачен воздух. Росистым утром смолою пахнет в густом лесу.

Видел восход солнца над родными полями, над зеленеющим, покрытым росою лугом, над серебряной гладью реки. В прохладном зеркале воды отражаются побледневшие утренние звёзды, тонкий серп месяца. На востоке разгорается заря, и вода кажется розовой. Как бы в парной лёгкой дымке под пение бесчисленных птиц поднимается над землёю солнце. Точно живое дыхание земли, лёгкий золотистый туман стелется над полями, над недвижной лентой реки. Веё выше поднимается солнце. Прохладная прозрачная роса на лугах сверкает алмазной россыпью.
Наблюдал появление солнца в морозное зимнее утро, когда нестерпимо сияли глубокие снега, рассыпался с деревьев лёгкий морозный иней.
Любовался восходом в высоких горах Тянь-Шаня и Кавказа, покрытых сверкающими ледниками.

Особенно хорош восход солнца над океаном. Будучи моряком, стоя на вахте, много раз наблюдал я, как восходящее солнце меняет свой цвет: то раздувается пылающим шаром, то закрывается туманом или далёкими облаками. И всё вокруг внезапно меняется. Иными кажутся далёкие берега, гребни набегающих волн. Изменяется цвет самого неба, золотисто-голубым шатром покрывающего бескрайнее море. Пена на гребнях волн кажется золотою. Золотыми кажутся летящие за кормою чайки. Алым золотом отсвечивают мачты, блестит крашеный борт корабля.

Стоишь, бывало, на вахте на носу парохода, несказанной радостью наполняется сердце. Рождается новый день! Сколько встреч и приключений сулит он молодому счастливому моряку!

Жители больших городов редко любуются восходом солнца. Высокие каменные громады городских домов закрывают горизонт. Даже сельские жители просыпают короткий час восхода солнца, начало дня. Но в живом мире природы всё пробуждается. На опушках леса, над озарённой водою громко поют соловьи. Взвиваются с полей в небо, исчезая в лучах рассвета, лёгкие жаворонки. Радостно кукуют кукушки, свистят дрозды.

Только моряки, охотники — люди, тесно связанные с матерью-землёю, — знают радость торжественного солнечного восхода, когда на земле пробуждается жизнь.

Друзья мои читатели, очень советую вам полюбоваться восходом солнца, чистой ранней утренней зарёю. Вы почувствуете, как свежей радостью наполняется ваше сердце. В природе нет ничего прелестнее раннего утра, утренней ранней зари, когда материнским дыханием дышит земля и жизнь пробуждается.

(По И. С. Соколову-Микитову*)
* Сокопов-Микитов Иван Сергеевич (1892-1975) — русский советский писатель и журналист, натуралист, путешественник.

9.1. Напишите сочинение-рассуждение, раскрывая смысл высказывания известного лингвиста Виктора Владимировича Виноградова: «Прилагательное – это самая изобразительная часть речи. Прилагательные могут описать цвет, запах, форму любого предмета, рассказать о наших чувствах, характере, настроении».

В.В. Виноградов назвал прилагательное «самой изобразительной частью речи». Действительно, оно используется, чтобы описать предмет с разных сторон и подчеркнуть его отличительные признаки.

Текст И.С. Соколова-Микитова художественного стиля, поэтому в нём достаточно много изобразительно-выразительных средств. Например, в 14 предложении описывается восход солнца («в прохладном зеркале», «тонкий серп месяца»). Такие образные определения называются эпитетами.

Кроме того, лингвист В.В. Виноградов отмечает, что прилагательные помогают рассказать о нашем настроении. Так, в предложении 40 есть определение «торжественного», которое передает эмоциональное состояние героя. Мы понимаем, что во время наблюдения за восходом солнца он чувствует себя счастливым.

Таким образом, прилагательные делают любой текст более ярким, насыщенным, выразительным и экспрессивным.

9.2. Напишите сочинение-рассуждение. Объясните, как вы понимаете смысл финала текста: «В природе нет ничего прелестнее раннего утра, утренней ранней зари, когда материнским дыханием дышит земля и жизнь пробуждается».

Смысл финала текста я понимаю так: по мнению И.С. Соколова-Микитова, восход солнца – самое удивительное природное явление, потому что с ним связано пробуждение всего живого на земле. Только внимательному человеку открываются тайны мира природы.

Рассказчик вспоминает, что он впервые увидел восход солнца в раннем детстве. Мама иногда будила сына по утрам, обращая его внимание на красоту пробуждающейся природы. Мальчик всю дальнейшую жизнь ассоциировал это явление с мамой (предложения 2-6).

Рассказчик отмечает, что многие люди редко любуются коротким часом, когда всё вокруг просыпается. Однако именно в этот момент человеческое сердце наполняется счастьем (предложения 40-42).

Таким образом, красоты природы способны пробудить нас к жизни, наполнить энергией, вдохнуть новые силы. Именно поэтому так важно хотя бы иногда отвлекаться от житейских забот и любоваться восходом солнца.

9.3. Как Вы понимаете значение слова НАБЛЮДАТЕЛЬНОСТЬ?

Наблюдательность – это качество, которым обладает далеко не каждый. Это поистине удивительное умение, заключающееся в способности замечать мельчайшие детали. Таких людей можно назвать любознательными.

Например, герой произведения И.С. Соколова-Микитова обращает внимание на красоту пробуждающегося мира в короткий час восхода солнца. Рассказчик очень

наблюдателен, за свою жизнь он успел увидеть это природное явление морозным утром, в лесу, над рекой и над океаном. Внимательный человек, который живёт в гармонии с природой, однажды почувствует, как его сердце наполняется «свежей радостью» (предложение 42).

Михаил Васильевич Ломоносов стал выдающимся учёным благодаря своей любознательности. Он отправился из Холмогор в Москву, чтобы получить образование. Его не остановили ни длинная дорога, ни отсутствие дворянского происхождения. Ломоносов был очень наблюдательным, что и помогло ему совершить немало научных открытий в разных областях.

Таким образом, нужно быть внимательным даже к мелочам, потому что это расширяет наш кругозор.

Русский язык. 5 класс

Конспект урока

Русский язык

Описание картины (натюрморта)

Перечень вопросов, рассматриваемых на уроке

1. Особенности описания картины (натюрморта)

Сочинение-описание – это сочинение, в котором описывается какой-то предмет, человек, животное или явление.

Натюрморт – картина, изображающая ягоды, фрукты, сорванные цветы, продукты и т.д.

Композиция картины – расположение предметов в пространстве, выделение главного в изображении.

Обязательная литература:

1. Ладыженская Т. А., Баранов М. Т., Тростенцова Л. А. и др. Русский язык. Учебник. 5 класс. В 2 ч. Ч. 1 – М.: Просвещение, 2012. – 193 с.

2. Ефремова Е. А. Русский язык. Рабочая тетрадь. 5 класс. – М.: Просвещение, 2012.

Дополнительная литература:

1. Янченко В. Д., Латфуллина Л. Г., Михайлова С. Ю. Скорая помощь по русскому языку. Рабочая тетрадь. 5 класс. В 2 ч. Ч. 2. – М.: Просвещение, 2019 – 80 с.

Материал для самостоятельного изучения

Рассмотрим произведения разных авторов. «Натюрморт с цветами и фруктами» Анри Фантен-Латура, «Яблоки и листья» Ильи Репина, «Цветы и плоды» Ивана Хруцкого. Обратите внимание на количество предметов на картинах и цветовую гамму.

Натюрморт – художественные картины, изображающие ягоды, фрукты, цветы, продукты и так далее.

При описании картины важно правильно описать композицию картины. Композиция картины – расположение предметов в пространстве, выделение главного в изображении.

Перед нами натюрморт «Цветы, фрукты, птица». Фёдор Толстой, автор данной картины – акварелист, скульптор, медальер, человек, чьими работами любуется сегодня весь мир. Толстой подарил нам множество картин, которые чаруют своим совершенством, разнообразием красок и сюжетом.

Рассмотрим подробнее натюрморт «Цветы, фрукты, птица». Какие предметы изобразил художник? Это цветы, яблоки, виноград, смородина, птица и бабочка. Что поместил художник в центре своей картины?

В центре картины – стеклянная ваза с красивыми белыми и нежно-розовыми цветами на длинных стеблях. Узкие тёмно-зеленые листья. Оранжевая настурция дополняет этот букет. Тщательно выписаны красные тычинки цветов и тонкие прожилки листьев. Как художник показывает прозрачность воды в вазе? Прозрачность воды показана через прорисовку стеблей, отчётливо виден каждый стебель цветка, сквозь стекло просвечивает фон картины. Все предметы расположены на столе. Что мы видим на самом краешке стола, перед вазой? На самом краешке стола лежат веточки красной и белой смородины. Ягоды кажутся подсвеченными. Они свежие и прозрачные, внутри видны зёрнышки. Что изобразил художник на картине слева от вазы? Слева от вазы изображены два спелых красных яблока. От третьего осталась половинка. На бело-розовой мякоти видно темно-коричневое семечко. Что мы видим справа от вазы? Рядом с вазой лежит румяное яблоко. За ним – большая кисть спелого винограда. Крупные ягоды, тёмно-синие в тени и голубоватые на свету. Кажется, брызнут сейчас сладким соком.

Как художник изобразил птичку? Какая она?

На верхней части виноградной кисти сидит изящная птичка с необычным оперением. Она наклонила свою голубую головку к яблоку и что-то высматривает на его блестящей кожице.

Какой фон выбрал для своего натюрморта художник? Почему?

Художник выбрал для своего натюрморта жёлтый фон, который создаёт впечатление, как будто все предметы освещены тёплым летним солнцем, согреты его яркими лучами.

Определите основную мысль автора натюрморта. Ф. Толстой прославляет красоту мира вещей, предметов, которые окружают человека и украшают его жизнь. Какова же будет основная мысль нашего описания? Мир, окружающий человека, прекрасен, только надо уметь видеть эту красоту.

Составим план описания картины.

I. Описание краткой информации о художнике.

II. Композиция натюрморта:

III. Описать мысли и чувства, которые вызывает натюрморт.

В описании картины Вы можете использовать следующую опорную лексику:

Передо мной картина …

На переднем плане замечательного полотна …

В центре картины художник изобразил …

Цветовая гамма очень разнообразна: …

При создании картины мастер использовал …

Обратите внимание также на опорные фразы и словосочетания:

морковно-красный с жёлтыми полосками бархатец,

веточка душистого горошка,

пушистая головка ало-красного мака с белой каёмочкой на кончиках лепестков,

сине-голубой с золотыми серединками дельфиниум,

Эти опорные слова помогут составить описание картины.

Примеры задания из Тренировочного модуля

Выбор элемента из выпадающего списка.

К какому виду относится данный текст.

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, смотрит она на нас. В руке у неё персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

Правильный ответ: описание картины

Ввод с клавиатуры пропущенных элементов в тексте.

Впишите в текст синонимы.

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, девочка _______ смотрит на нас. В руке у девочки _______ персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи мягко ложатся и на стол, ложатся и на руки девочки, ложатся и на старинную мебель зимней столовой…

Правильный ответ:

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, она смотрит на нас. В руке у неё персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

Ссылка на основную публикацию